概括當下音樂戲劇三大關鍵詞：多元化 族性和年輕態

　　羅密歐與朱麗葉合唱團音樂戲劇《木板上的畫》

  

　　從廣義上來講，歌劇、音樂劇、歌舞劇等都屬於“音樂戲劇”這一范疇，常常是通過音樂、戲劇、舞蹈，以及近些年出現的多媒體、裝置藝術等藝術門類跨界合作的形式，帶給觀眾不一樣的舞臺欣賞體驗。

　　其中，歌劇代表的是18、19世紀的文化符號，作為一門已經古老的、經典化的藝術，近些年來在其起源地歐美，也日益面臨觀眾老齡化的局面，爭取更多的年輕觀眾是全球範圍內都要面對的問題。而就目前新一代觀眾的欣賞水準而言，能用聽覺來鑒賞的人佔的比重還很少、能看的人比能聽的人多。所以歌劇就越來越從聽覺的藝術變成一種視聽並重的藝術。現在國際上比較流行的做法是把唱詞和音樂當成一個元素，然後再把別的元素加上去，形成一個新的舞臺表達形式。這種舞臺呈現上的變化以及對原作意涵的重新解釋，是保持歌劇生命力的很重要的途徑。

　　與歌劇不同的是，音樂劇因為其融合娛樂性、流行音樂、現代化對白等更多通俗化表達的元素，無論在中外都有著更為廣闊的、年輕態的觀眾群。英國作品擁有著精緻的戲劇質感；美國戲著力彰顯華麗的歌舞並強調故事性；法國劇充斥著浪漫的寫意色彩；德奧則因其歷史積澱充滿了厚重的歌劇味道。對中國市場來説，近些年多國、多語言劇目的成功引進，足以證明了這裡的觀眾擁有著世界上“最相容的音樂劇審美”。而市場的壯大不僅讓中國觀眾有機會欣賞到國際高水準的劇目，也促進了華語原創音樂劇的發展。

　　在本屆中國上海國際藝術節期間，音樂戲劇類作品整體呈現出三個特徵：“多元化、民族性、年輕態”。“多元化”體現了中國觀眾品味的相容性；“民族性”主要指作品以弘揚民族氣節和傳承中華舞臺文化為核心；而“年輕態”是一些劇目通過新穎的舞臺表達、對經典故事進行重新挖掘，讓當下年輕人産生共鳴。

　　開掘戲劇性，融合了歌劇與戲劇、現代與古典

　　巴黎北方劇院音樂戲劇《茶花女》

　　意大利作曲家威爾第的經典作品《茶花女》是全世界最常被演出的歌劇之一。其文本源於法國文學家小仲馬的著名小説，講述了一位巴黎上流社會的著名交際花茶花女和一位來自正統家庭的年輕作家，不顧身份地位的懸殊及世俗禮教而墜入了愛河，但因現實種種誤會和他人阻撓終以悲劇收場的故事。劇中多首歌曲，如《飲酒歌》、咏嘆調《啊！夢裏情人》《及時行樂》等，已變成許多聲樂家必唱曲目，受歡迎的程度可稱作歌劇界中的流行金曲。

　　該作品的旋律對許多觀眾來説早已耳熟能詳。而本次巴黎北方劇院的音樂戲劇《茶花女》會在原作的基礎上進行“解構和重構”。重新演繹意味著不局限于歌劇、並大大加重戲劇色彩，導演本傑明·拉扎爾將原歌劇解構、拆開，然後加入其他的形式，形成了另外一個綜合性更強的舞臺作品。

　　本作在威爾第原劇的意大利語唱詞的基礎上，增添了文學性極強的法語唸白，使舞臺上的“説話聲與歌聲層疊交替”。不同於傳統歌劇的厚重，這一版布景道具輕盈飄逸、充滿時尚的現代感，五名歌者與八名樂手的極簡編制在導演的精心安排下顯得豐盈飽滿。當歌者和樂手同時作為戲劇角色出現在舞臺上，兩者的界限已經模糊，更加直接地參與戲劇動作的呈現和情感表達。

　　歌劇《茶花女》是發生在19世紀的故事、也是同時期的創作。將其搬上現代的戲劇舞臺，既要保留它的歷史感，也要挖掘其中與當下的一些聯繫，才會讓今日觀眾有共鳴。而巴黎北方劇院的這部音樂戲劇作品，十分符合當今觀眾的審美品位。

　　以伯格曼本人的版本，來紀念他的百年誕辰

　　羅密歐與朱麗葉合唱團音樂戲劇《木板上的畫》

　　今年是英格瑪·伯格曼誕辰100週年，伯格曼不僅是電影大師，還是戲劇大師，創作執導過許多舞臺作品。這一版也是他的電影《第七封印》的基礎。《第七封印》是英格瑪·伯格曼具有代表性的經典影片。原片講述了理想主義的騎士布洛克在戰爭結束之後，與他的同伴們在蔓延瘟疫的歐洲大陸上艱難生活的故事，蘊含著極為深刻的哲理。

　　《木板上的畫》來源於中世紀祭壇畫面，描繪了各種各樣的人物：騎士、鄉紳、孕婦、女巫、年輕女孩、小丑、鐵匠和他的妻子。一個身著黑衣的青年彈奏魯特琴，講述著瘟疫的可怕故事。在幕布升起前，通過向觀眾展示人物剪影，祭壇畫面得以在劇院中重現，角色以各種富有表現力的姿勢凝固。該劇是關於他們怎樣試圖避免瘟疫的，然而最終他們都在一個骷髏的命令下，跳著舞進了地獄；而骷髏正是死亡的象徵。

　　伯格曼的許多作品往往是一個中心主題的各種變體：功能失調的家庭、吸血的失敗藝術家和一個不在場的全能者，都成為人與人之間無法相互溝通的集體表現。這齣戲還包含了死亡之舞，一個強有力的形象。這是伯格曼電影風格的一個明顯的例子，在他的電影和舞臺作品中都有體現。

　　《木板上的畫》在瑞典有四個官方版本。2000年，羅密歐與朱麗葉合唱團因在皇家戲劇劇院演出《麥克白》而獲得英格瑪·伯格曼獎。2018年，羅密歐與朱麗葉合唱團用伯格曼的作品《木板上的畫》紀念他的百年誕辰。

　　用大膽的舞臺布景，模糊現實與錯覺之間的界限

　　羅伯特·威爾遜與杜塞爾多夫戲劇院《睡魔》

　　導演羅伯特·威爾遜以他的原創美學聞名於世,《睡魔》是其聯手英國著名歌手、作曲家安娜·卡維重新演繹的經典黑暗童話，改編自E.T.A.霍夫曼的同名故事。這部1816年出版的德國浪漫主義心理故事以童年的創傷為出發點:小納撒尼爾的父親死於爆炸,男孩相信，自己母親經常提到的那個睡魔，一定與這場悲劇有關。傳説中的這個睡魔在那些不想睡覺的孩子們的眼睛裏撒沙子，—直到他們的眼睛從他們的腦袋裏掉出來，鮮血淋漓。這是一個令人毛骨悚然的睡前故事，以至於納撒尼爾再也沒有擺脫它的陰影。

　　霍夫曼是德國浪漫主義文學和哥特式恐怖故事的大師之一，善於以離奇荒誕的情節反映現實，並對現實社會進行批判。他的作品往往具有神秘怪誕的色彩，其筆下的人物常受一種幽靈般的力量支配、無法主宰自己的行為。在這部劇中，導演將會用微妙的光線組合、精確的動作順序和大膽的舞臺布景，來模糊現實與錯覺之間的界限，從後構造出黑暗哥特童話的怪誕和神秘感。

　　導演羅伯特·威爾遜是美國前衛藝術家、戲劇和歌劇導演、舞美設計師及演員。其舞臺作品的突出風格是通過對光線的標誌性運用、對簡單運動結構的研究，以及對場景的嚴謹設計，表達出強大的視覺影響力和獨創性。安娜·卡維曾獲得過歐洲跨國界音樂獎、被提名過水星音樂獎和英國最具突破藝人獎。對於本次音樂部分的創作，她會用充滿戲劇性的搖滾樂為劇情和人物營造多變的音樂基調。

　　大時代譜寫心聲，全方位的原創性難能可貴

　　原創音樂劇《愛在星光裏》

　　故事發生在一個叫“星光裏”的老式弄堂。男主角童菲與鄰家女孩小柔，從童年的玩伴到成長為青年後，隨著舊區改造和時代發展各奔東西、漸行漸遠，但沒有改變他們對音樂的熱愛、和對夢想的追求。他們與弄堂裏的居民、與都市裏的每一位平凡人一樣，共同見證著城市的變遷。“老弄堂”也經歷了改革大潮中各式各樣的變化，被慢慢改造成一個時尚而充滿活力的城區。

　　該劇由曾為張學友音樂劇《雪狼湖》原版編劇的陳少琪擔任藝術總監、編劇與作詞。上海的“里弄”情懷和陳少琪所出生、長大的香港有很多共通之處，都包含了父母之愛、鄰裡之愛這樣的元素。陳少琪看到了其中人與人、人與建築、人與時代環境、人與商業的種種關係。他想通過這部劇來給置身於城市時代變化中的人們一些思考：怎麼樣才可以活得有溫度？怎麼樣把應該保留下來的、應該值得懷念的東西好好保存下來？

　　本劇音樂部分的創作，則交由柏林國際電影節最佳電影音樂銀熊獎獲得者金培達來完成。金培達最早為內地觀眾所熟知是通過電影《星語星願》《如果·愛》和《七月與安生》的配樂。近些年也參與到華語原創音樂劇《猶太人在上海》以及《啊！鼓嶺》的創作。

　　國産中小型音樂劇近兩年來呈多樣發展趨勢。有從百老匯或韓國等直接漢化過來的，如《媽媽咪呀！》《我的遺願清單》；有依託經典文學腳本而作的《月亮和六便士》《信》；也有用已有流行音樂串起劇情的，如《不能説的秘密》《馬不停蹄的憂傷》等，這些大多無論在故事腳本還是音樂上都有“原作”在。這讓《愛在星光裏》在全方位上的原創性都顯得難能可貴，是本次藝術節最受期待的音樂劇類作品。（任夢慈）