5月23日，國際著名大提琴家王健的最新專輯《巴赫大提琴無伴奏組曲》全球發行，這是繼環球音樂大中華區于2025年5月14日宣佈正式成立德意志留聲機中國（Deutsche Grammophon China，簡稱DG中國）後推出的首張專輯。此前，該專輯的先行單曲《G大調第一號無伴奏大提琴組曲:前奏曲》已于5月16日上線。
《巴赫大提琴無伴奏組曲》專輯于2024年9月在上海上音歌劇院完成錄製，由資深音樂製作人譚紀豪擔任執行製作人，格萊美獎得主萊納·美拉德（Rainer Maillard）操刀錄音製作與剪輯，並由享譽全球的柏林艾米爾錄音室（Emil Berliner Studios）擔綱錄音及母帶製作。此次錄音是王健繼2004年首次錄製該經典曲目後的再度全新詮釋，承載著藝術家的生命體悟，尤其是近二十年來的藝術沉澱。
貫穿人生的藝術思考 塑造音樂的精神維度
《巴赫大提琴無伴奏組曲》（BWV 1007–1012）是約翰·塞巴斯蒂安·巴赫于1717–1723年間創作的六套無伴奏大提琴獨奏組曲，為巴洛克器樂巔峰之作。每套組曲含六樂章，遵循傳統舞曲結構：前奏曲（Prelude）引領，其後依次為阿勒曼德舞曲（Allemande）、庫朗特舞曲（Courante）、薩拉班德舞曲（Sarabande）、兩首任選舞曲（如小步舞曲、加沃特或布列舞曲）及終曲吉格舞曲（Gigue）。作品以復調對位為核心，突破大提琴單旋律限制，通過和弦、雙音及琶音織體模擬多聲部對話，展現樂器表現力的極限。其中《第六組曲》（D大調，BWV 1012）專為五弦大提琴創作，技術難度尤甚。這部偉大的作品曾長期湮沒，直至二十世紀初由卡薩爾斯發掘並推廣，現今被視為大提琴藝術的“聖經”，兼具技巧挑戰性與深刻哲思，極大影響著現代演奏美學及音樂詮釋理念。
王健自七八歲起與巴赫《大提琴無伴奏組曲》結緣，十歲首次登臺演奏這部作品，二十多歲時，王健深刻領悟到這套作品的獨特性——作為音樂史上唯一由頂尖作曲家為無伴奏大提琴創作的傑作，其自足的和聲與精神深度令他“拉得特別開心”，成為其藝術生命的核心依託。
王健認為，巴赫將法國舞曲的娛樂形式昇華為精神性藝術，賦予器樂創作哲學高度，而卡薩爾斯則通過復活並嚴肅詮釋這些組曲，扭轉了帕格尼尼時代大提琴演奏的娛樂化傾向，重塑了音樂的精神維度。
從某種意義來説，巴赫《大提琴無伴奏組曲》不僅見證了王健技藝與心靈的成長，更啟發了他對藝術本質的思考：從娛樂到精神的跨越，恰是巴赫與卡薩爾斯共同締造的偉大傳統。
在樂評人張可駒與王健關於巴赫《大提琴無伴奏組曲》的對談中，王健坦言，此次錄音的契機，源於他對自我表達的革新追求。“過去二十年，我不斷探索巴赫的深邃世界。如果説第一次錄音是追求每個音符的精準與完美，那麼這次我更希望抓住音樂的核心骨架，賦予其即興的生命力。”
新版本中，他著重強化了作品的舞蹈性特質，節奏處理更富彈性，樂句凝練直率，展現出迥異於二十年前的“幹練”風格。
王健將這種轉變歸結于對藝術本質的深層思考：“音樂不是技術展覽，而是精神的共鳴。巴赫的作品像一面鏡子，既映照演奏者的審美，也毫不留情地暴露局限——這正是其偉大之處。”
演繹巴赫《大提琴無伴奏組曲》，對於王健而言，終其一生難有“總結”。其開放性賦予演奏者極大自由，也成為了雙刃劍。每當錄音，總會嘗試新的詮釋路徑，因作品如鏡，既映照個人審美，亦直指技巧與表達的局限。相比其他作品，巴赫《大提琴無伴奏組曲》的多元詮釋空間更為廣闊，鮮有兩次錄音雷同。作品的純粹性直抵音樂本質，令演奏者的藝術底色與缺憾無所遁形。
慢樂章是靈魂棲所 藝術的終極追求是觸動心靈
當被問及對六首組曲的偏愛，王健毫不掩飾對慢樂章的鍾情：“《薩拉班德舞曲》于我而言是靈魂的棲所。巴赫在這些樂章中埋藏著人性的永恒命題——悲憫、昇華、對神性的敬畏。”
他更以詩意的語言解讀前奏曲的隱喻：《第一號組曲》如“上帝編織生命的DNA”，《第五號組曲》則似“對人類命運的悲憫與苦中作樂”。這種跨越文化的精神共鳴，恰是王健詮釋巴赫的核心：“音樂的最高使命不是強調東西方差異，而是揭示人類共同的情感密碼。”
為呈現巴赫作品的極致嚴謹與深邃詩意，環球音樂DG中國集結國際頂尖製作陣容。錄音師萊納·美拉德（Rainer Maillard）以“讓樂器呼吸”的理念，在上音歌劇院捕捉大提琴的每一絲震顫；柏林艾米爾錄音室的母帶處理，則賦予錄音廳堂級的空間縱深感。王健特別提到：“技術不是目的，而是為表達服務。每個音符必須精準落位，才能讓樂句如血脈般自然流動——這正是巴赫對演奏者的終極考驗。”
作為首位在德意志留聲機唱片錄製全套《巴赫大提琴無伴奏組曲》的中國大提琴家，王健始終以開放姿態面對文化身份的討論：“我的成長經歷必然影響審美，但藝術的終極追求是超越標簽的‘大同’。”
王健強調：“若聽眾能從我的琴聲中聽見巴赫的心跳，也能聽見自己內心最深的顫動，這便是最珍貴的迴響。”
