歌劇《奧賽羅》劇照。資料圖片

　　前不久，中央歌劇院新創歌劇《奧賽羅》與觀眾見面。這部歌劇是意大利作曲家威爾第的名作，整場演出顯示出中央歌劇院在歌劇製作上的深厚積累與過硬實力，堪稱中國藝術家對歌劇保留劇目的一次高水準呈現。

　　經典歌劇的每一次復排，人們的關注點首先會聚焦在舞臺呈現和舞美風格上。這次，歌劇《奧賽羅》秉持寫實主義創作理念，舞美儘量貼合劇情所處的年代和地域，甚至沒有引入歌劇創作常見的象徵手法。音樂闡釋也持同樣的理念，體現出對經典的尊重。

　　對於任何一部歌劇而言，演唱陣容、樂團演奏與指揮表現決定著演出的藝術水準。主角奧賽羅的兩位飾演者男高音李爽和00後蔣立章，前者角色塑造更具滄桑感，後者演唱和表演風格更加外在，他們以各自對角色獨闢蹊徑的理解打動了現場觀眾。從第一幕中的勝利而歸、意氣風發，到唱出“神啊，你怎能讓我蒙羞”時無法擺脫的懷疑，再到因嫉妒被折磨得瀕臨崩潰，觀眾跟隨劇情發展看到奧賽羅如何一步步失去理智，走向毀滅。臨近終場，悔恨交加的奧賽羅悲嘆“再不必懼怕我”並且揮劍自刎，倒在了黛絲苔蒙娜身旁。這是對人物內心世界探幽式的深入剖析，展現出屬於歌劇藝術的獨特魅力，讓人不禁想到當代戲劇導演西蒙·斯通所説：“歌劇最讓人著迷的地方在於，面對人類所處的外部自然情境與內心情感之間所形成的張力，我們能夠通過音樂和歌唱直接進入其中。”飾演黛絲苔蒙娜的兩位女高音同樣令人印象深刻，陳藝寶在美聲唱法的圓潤聲線之外，以強烈的戲劇爆發力賦予角色更多立體感；郝菲在著名唱段“楊柳之歌”中如泣如訴的表演，讓觀眾對角色的不幸給予更多同情。

　　英國詩人、評論家柯勒律治曾分析莎士比亞原著《奧賽羅》中的反派人物伊阿古，説其種種行為是出於“無動機的惡意”，文學的留白賦予角色以極大的闡釋空間。然而，舞臺藝術受制於時空的即時性，往往必須更直接地剖白人心。因此在歌劇中，反派人物亞戈（即伊阿古）一手“導演”的悲劇，被視作源自他內心深處的嫉妒，那種認定自己遭受不公正對待而不擇手段報復的陰暗之心。兩位男中音聲情並茂的表演，以逐漸強化的力度讓觀眾感受到反派人物的內心變化。

　　指揮楊洋與中央歌劇院管弦樂團的傾情投入，再加上中央歌劇院劇場的出色聲效，賦予歌劇《奧賽羅》強烈的音樂感染力。如黛絲苔蒙娜的“楊柳之歌”結束後，小提琴在高音區的弱奏，透出一種極具美感的縹緲光澤，這也成為劇中人彼時心境的生動寫照。但整體而言，《奧賽羅》還是有些美中不足。大幕開啟之前設計了暴風雨的聲效和影像，這種“非歌劇化”的處理手法，讓樂團的演奏受到一定遮蔽和削弱。威爾第音樂對大自然的描摹，其實並不需要“添加”額外聲效加以提升。全劇結束前，舞臺上奧賽羅與黛絲苔蒙娜已無聲息，而管弦樂的悲慼和弦還在繼續，此時大幕落下，一部分觀眾習慣性地鼓起了掌，這提前到來的掌聲，在某種程度上也影響到這部歌劇的完整呈現。（王紀宴）